ARTES I. Objetivo 2. Elementos de la imagen. El Color. Clase 3

ARTES I. Objetivo 2. Elementos formales de las artes. Clase 3

  Josef Albers, 1967

Los colores son aquellas impresiones que la luz genera en los objetos y que estimulan nuestros órganos visuales y han sido interpretados por nuestro cerebro.

En términos de pintura, la teoría del color se entiende como un conjunto de reglas básicas para la mezcla de colores, es decir, busca establecer una serie de principios para lograr efectos emotivos en el espectador.

 

I. EL COLOR.

 En principio, todo color posee 3 atributos que permite distinguir unos de otros:

• Matiz o tono. A partir del cual distinguimos un color de otro, es decir, es el color en sí mismo.
  
• Valor. o luminosidad. Es la intensidad lumínica de un color -su claridad u oscuridad-, es decir, su mayor o menor cercanía con el blanco o con el negro. 
• Pureza o saturación. Es la concentración de gris que tiene un color: cuanto más gris menor su pureza -el color se verá opaco o sucio- y cuanto más saturado está, mayor será su pureza.  Observa el siguiente video: 
  

 

MEZCLA DE COLORES

Como se señaló en el video, toda mezcla de colores busca crear nuevos colores, pero debe considerarse que hay 2 formas básicas de entender dicha mezcla:

1. La mezcla aditiva parte de los colores luz y se utiliza, por ejemplo, en los monitores y proyectores que se componen de fuentes luminosas -verde, roja y azul- donde su combinación permite la generación de colores pero donde la suma de todos genera el blanco.
2. La mezcla sustractiva del color señala que, cuando pintamos o imprimimos, los colores no permiten el paso de la luz absorbiendo todos los colores excepto el tono que se desea reflejar.

 

II. EL CIRCULO CROMÁTICO.

Para tener una mejor idea de cómo funciona el color, vale la pena considerar un concepto básico: el del circulo cromático, donde el número de colores va generalmente de los 12, 24 hasta los 48, y están escalonados según su matiz y se organizan según colores primarios y derivados y permite entender modelos sustractivos o aditivos, temperaturas, relaciones complementarias, armonías y contrastes, etc. 

Observa el siguiente video:

De esta forma, se observa como el color es un elemento gráfico y visual sumamente complejo al que conviene acercarse con diferentes herramientas teóricas con el fin de poder elaborar mensajes visuales más efectivos.

Cuando hablamos de color, podemos hablar de una armonía del color, que se presenta cuando los colores dan una sensación agradable pero que su concepto contrario -el contrario- también nos permite entender otros resultados dentro de la imagen.

III. LOS CONTRASTES DEL COLOR. JOHANNES ITTEN.

Johannes Itten (1888-1967) fue un pintor uizo que formó parte de la Bauhaus, escuela de diseño del periodo de las vanguardias, donde estableció un curso donde desarrolla su teoría del color en la que desarrolla 7 contrastes que refleja nuestro comportamiento a la percepción del color y sus combinaciones lo que ayuda a controlar la composoción de la imagen.

Se entiende por contraste el comportamiento de 2  o más colores en una composición y el modo en que afecta a la interpretación del espectador, supone una dinámica opuesta a la armonía, de una tensión menor. Las combinaciones más estridentes tienden a llamar la atención del espectador y entre más armónicas estaremos cercanos a la tranquilidad

 Para Itten, existen 7 tipos de contrastes de color con sus propias características 

    1. CONTRASTE DEL COLOR EN SÍ MISMO. 

Es la combinación de colores saturados. El grado máximo de tensión lo protagonizan los colores primarios (amarillo, magenta y cian). Estos colores son los más puros y por ello son los que mayor contraste producen al combinarlos.  

    2. CONTRASTE CLARO-OSCURO 

 La tensión máxima de este contraste se da entre el blanco y el negro. Entre ellos están toda la gama de grises y los diferentes grados de los colores. La gama de grises ayuda a suavizar tonos de contraste intenso. Por tanto, mediante el uso de grises podemos suavizar combinaciones de tonos muy estridentes.

     3. CONTRASTE CALIENTE-FRIO.

Los colores refuerzan su valor de cálido o frío al estar rodeados de colores contrarios. Del mismo modo, los tonos se hacen más cálidos al añadirles amarillos o rojos o más fríos al añadirle azules o blancos a la mezcla.

    4. CONTRASTE COMPLEMENTARIO.

Este es el efecto de contraste más utilizado. Dos colores complementarios son los que están enfrentados en el círculo cromático. Su combinación nos permite percibir el color de la forma más precisa, pero puede resultar algo violenta al ojo.

Para armonizar esta combinación se aconseja que uno de los colores lo mantengamos puro mientras que el otro lo regulemos añadiendo blanco o negro. El tono puro no debe ocupar mucho espacio porque debe ser inversamente proporcional a su intensidad.

Podéis notar la diferencia en la siguiente imagen. La fila de arriba son todo tonos puros, mientras que la segunda fila son tonos puros rodeados de complementarios regulados con blanco.

    5. CONTRASTE SIMULTÁNEO.

 Del modo en que funciona nuestro ojo, cada color implica a su complementario. Podemos ver esta propiedad del color cuando ponemos un tono gris rodeado de un color puro. El gris tenderá al complementario del color que le rodea. Por poner un ejemplo, al poner un tono gris sobre amarillo, el gris tenderá a violáceo.

    6. CONTRASTE CUALITATIVO.

El mayor contraste se da al combinar un color puro saturado con uno neutro (gris). Los tonos saturados los percibimos más vivos y los desaturados más apagados.

Podremos utilizar este contraste cuando necesitemos destacar más un logotipo de tonos vivos al ponerlo sobre un fondo gris.

    7. CONTRASTE CUANTITATIVO.

Los colores tienen valores dimensionales. El amarillo tiende a parecer mayor (dilata) y el azul menor (contrae). Combinando colores en proporciones que se ajusten a sus capacidades dimensionales podemos armonizarlas.

Por ejemplo, en una composición gráfica, siendo el amarillo más luminoso, debería ocupar una extensión más pequeña que su complementario violeta. Así podemos comprobar que la luminosidad y la extensión están estrechamente ligadas entre sí.

 Por último, observa el siguiente video:

Saludos..,

Artes I. Objetivo 2. Elementos formales de las artes. Clase 2B

Artes I. Objetivo 2. Elementos formales de las artes. Clase 2B

 Egon Schiele, Retrato de Elisabeth Lederer", 1913,

 

EL DIBUJO DE VOLUMEN. 

Como ya hemos comentado, existen muchas formas de acercarse al dibujo, algunas tienen un método más bien riguroso, en otras, los ejercicios atienden más a la reflexión sobre el principio fundamental del dibujo: la observación -como fue el caso de la propuesta de Betty Edwards-.

Pero en ambos casos, muchos de los ejercicios iniciales parten de nuestro entorno cotidiano: objetos y familiares -o nosotros mismos- pueden servirnos de modelo de observación para nuestros dibujos.

Lo importante es observar que el dibujo no tiene como objetivo ser un adorno sino que atiende otros aspectos: los límites de nuestra superficie de trabajo, los ángulos o encuadres desde los cuales vamos a trabajar así como los elementos propios del dibujo como la perspectiva, la proporción, los tonos así como el trabajo de luces y sombras, entre otros elementos. 

I. EJERCICIO: ENCAJADO DE CUERPOS GEOMÉTRICOS.

Materiales:

• Papel -puede ser tamaño carta-
• Lápices y goma.

Objetivos:

• Desarrollar el control en el trazo buscando direcciones de paralelismo.
  
• Captación del sentido del espacio y sus detalles.
• Visualizar las estructuras geométricas fundamentales.  

 Método.

1. Comenzaremos con el cubo desde diferentes puntos de vista.
2. Continuaremos con formas cilíndricas y hexagonales.
   

 Proceso.

Observa el siguiente video:

  Ahora, revisemos cual será nuestro proceso:

• Observar la figura a dibujar desde diferentes ángulos para comprender su forma.
• Dibujar la caja en la cual podríamos colocar el objetos.
• Método de cajas: se sitúa la forma dentro de una caja, se busca el centro de la base trazando las diagonales. Desde el punto en donde se cortan, se trazan dos rectas paralelas a las aristas de la base obteniendo cuatro cuadrantes. La circunferencia se traza a mano alzada por los puntos en los que las diagona-les toquen a las caras. 
  
• Proporcionar correctamente las partes proporcionales del objeto elegido y representarlas en la caja. 
• Ubicar y trazar los cruces paralelos.
• Trazar detalles y cerrar la figura.

II. LA PERSPECTIVA

Por último, otro elemento central del dibujo es la perspectiva -del griego perspicere, "ver a través de.."- que busca una representación tridimensional dentro de una superficie plana, generando la ilusión de que el objeto es representado tal como se percibe a la vista.

Estas representaciones se generan a partir del encuentro entre líneas rectas -que unen los puntos del objeto representado- con el punto desde el que es observado-el punto de vista-, lo que permite entender 2 tipos fundamentales de perspectiva:

• La perspectiva cónica -o central-. Donde los objetos representados son más pequeños a medida que aumenta la distancia con el espectador y puede ser de uno, dos o tres puntos de fuga.
• Perspectiva axonométrica. Pertenece más al campo de las ciencias y proyecta todas las líneas visuales son paralelas entre sí, lo que equivale a un punto de vista situado en el infinito, por lo que los objetos representados no se reducen según la distancia

En el caso de la perspectiva de un punto de fuga, su uso permite que cualquier objeto que podamos entender como compuesto de líneas -ya sea directamente paralelas o perpendiculares- pueda ser representado con la perspectiva de un punto donde convergen las líneas que se acercan al espectador.

Observa el siguiente video:

III. LA COMPOSICIÓN.

Otro de los aspectos centrales del dibujo es la composición, que se entiende como la organización, el arreglo  o la colocación de los elementos de una forma racional en un trabajo de arte siguiendo ciertos principios y que busca generar una respuesta estética en el espectador.

Como es de suponer, existen trabajos que han roto las reglas de la composición tradicional pero siempre es necesario conocer la relevancia que juega dicho concepto.

Por último, observa el siguiente video:

Saludos...

Artes I. Objetivo 2. Elementos formales de las artes. Clase 2A

 Artes I. Elementos formales de las artes. Clase 2A. El dibujo

Existen múltiples formas de acercarse al dibujo

I. BETTY EDWARDS. DIBUJANDO CON EL LADO DERECHO DEL CEREBRO.

Uno de los métodos de dibujo más populares es el de la profesora norteamericana Betty Edwards, cuyo libro "Dibujar con el lado derecho del cerebro: Curso para la creatividad y confianza artística", de 1979, resultado de distintos cursos llevados en la Universidad de California  

Para Edwards, en nuestro cerebro los hemisferios tienen las funciones cruzadas: el izquierdo controla la parte derecha del cuerpo y se caracteriza por ser analítico y verbal, mientras que el derecho tiene un carácter más visual y espacial por lo que su propuesta es conectar con el hemisferio derecho como una forma de dejar en segundo plano la influencia de imágenes esquemáticas formadas desde la infancia.

Su método de dibujo tiene como objetivo enfatizar las formas de trabajar de ambos hemisferios para estimular el paso al lado derecho del cerebro para así entender la importancia de la observación como paso previo al dibujo. Busca conseguir la identidad formal, estructural, espacial y matérica de los objetos a representar. 

Observa el siguiente video: 

Ahora realiza los siguientes prácticas:

Material: Papel, lápices y goma. 

Errores: que el dibujo tenga una intención esquemática.

 

• PRÁCTICA #1. Dibujo de contorno ciego.
  

Su principal objetivo es agudizar la visión analítica para el estudio de las dimensiones y la proporción. Cada movimiento del ojo se traduce en una línea en el papel: se trata de sincronizar ambos, busca desarrollar observación y análisis sin tener como objetivo central el dibujo. 

 

Aquí el video con ejemplo:

 

 

• PRÁCTICA #2 Simetrías.

 la mayoría de los objetos y seres vivos de nuestro entorno presentan formas geométricas, por lo que resulta esencial saber captar las distancias entre los espacios.

Aquí un video con el ejemplo de cómo hacer el ejercicio.

 

• PRÁCTICA #3 Figura invertida

El procesamiento y análisis de las imágenes invertidas obliga al cerebro a reconocer todo aquello que se nos presenta. Así a la rapidez habitual conque el lado izquierdo del cerebro busca clasificar termina por impacientarlo y permtiendo que el lado derecho pueda trabajar  las diferentes formas 

Finalizado el dibujo, se coloca la imagen en posición normal.

Aquí un video con el ejemplo:

 

• PRÁCTICA #4. Dibujo de contornos modificados.

Elegido el modelo, se intenta captar la forma general así como el mayor número de detalles sin limitar el número de correcciones, se debe dibujar sin interrupción 30 min.-. Se pueden ubicar líneas horizontales y verticales a manera de ejes que limitaran el dibujo. Ahora si se tiene como objetivo el acercamiento al modelo   

 

Aquí el video con ejemplo:

 

Como cierre a los ejercicios, es importante hacer algunas reflexiones personales sobre los mismos y la capacidad de concentración que uno puede alcanzar con la práctica del dibujo.

Saludos....

ARTES I. Objetivo 2. Elementos formales de las artes. Clase 1

 ELEMENTOS FORMALES DE LAS ARTES.

 Paul Klee. "Angelus Novus" 1920, tinta china y óleo

  

En general, cada tipo de arte recurre a sus propios medios y recursos para generar sus obras, y son estos elementos los que ayudan a definir cada uno de los lenguajes. Por ejemplo:

• Escultura: Técnicas (tallado, forja, modelado, vaciado, ensamblaje, etc), medios (Piedra, madera, metal, arcilla, porcelana, bronce, etc.).
• Danza: Movimiento corporal, ritmo, expresión corporal, expresión facial, estilo, espacio, etc. 
• Cine: Selección de la imagen -encuadre-, movimientos de cámara, montaje, sonido, 

Sin embargo, existen algunos elementos que se consideran básicos pues prácticamente todas las artes los comparten, es decir, que a pesar de sus diferencias como lenguajes, dichos elementos están presentes en las distintas obras que nos ofrecen.

 

I. LOS ELEMENTOS BÁSICOS. 

En las artes plásticas se entiende como elementos básicos toda aquella materia prima de la que disponemos para producir una imagen. Equivale a los ingredientes de la que partimos para expresar un mensaje, por lo que su conocimiento permite una mejor organización para proyectar una imagen.

Siempre resulta complicado tratar de ofrecer una lista definitiva de los elementos básicos pues algunos autores considerarán una cierto mínimo de elementos mientras que otros propondrán un número mayor, por lo que un registro básico de estos elementos debe considerar:

• El punto. Es el elemento primario de la expresión artística, no tiene dimensión ni posición. Es resultado del encuentro entre instrumento y superficie.
  

• La línea. Resulta del movimiento del punto y resulta en una unión entre 2 puntos tomando cualquier forma en su camino, presenta dirección y puede ser simple o complejas, rectas o curvas, según su posición puede ser vertical, horizontal, puede dejar un rastro fino, irregular, reflejar frescura o agilidad, imprecisión, etc. Su función puede ser de contorno, sombreado o texturas.
  

• El plano. Presenta largo y ancho pero no profundidad ni espesor. Pueden ser verticales, horizontales, curvas, etc. Nos permite percibir el contraste entre figura y fondo
  

• Textura. Hace referencia a la suma de materiales que se perciben como materiales que se perciben como variaciones o irregularidades táctiles en una superficie. Al generar diferentes volúmenes, puede producir sensaciones de realismo.
  

• Color. Es el elemento más expresivo de la imagen y se percibe gracias a la acción de la luz y su reflejo en las superficies. Puede generar sensaciones de distancia, profundidad, temperatura, etc. Por si mismo, su complejidad ha obligado a desarrollar diversas teorías para entender su funcionamiento: los colores primarios, el círculo cromático, armonías y contrastes.
  

Para tener un acercamiento un poco más completo de estos elementos observa el siguiente video:

II. LA DINÁMICA DEL CONTRASTE.

Con estos elementos y las formas de percibir las imágenes se hace necesario establecer ciertos principios a partir de los cuales organizar las formas con las que podemos expresar mensajes visuales. Tener una educación visual permite entonces entender mejor las formas que contienen las imágenes. 

En términos de comunicación visual existen 2 técnicas: la armonía y el contraste, y es a partir de estas que podemos empezar a leer la forma en que está compuesta una imagen, el cómo se manipulan los elementos que la integran.  

Observa el siguiente video:

 

La armonía y el contraste permiten entender mejor las relaciones entre las intenciones conque se elaboró una imagen y el resultado obtenido. El uso del color, los contornos, las texturas y cada uno de los elementos presentes en una imagen actúa de manera interrelacionada para buscar una reacción en su espectador. Y son los elementos dominantes los que determinan la naturaleza del mensaje  

La relación marcada por los polos armonía/contraste genera una dinámica a partir de la cual es posible generar ciertas respuestas en el espectador. Otra vez, al intentar hacer un listado de las principales formas de contrastes en las imágenes, resulta complicado considerar un número exacto de técnicas por lo que sólo vamos a considerar 3 formas básicas del contraste:

• Equilibrio / Desequilibrio. Toda mente humana necesita un equilibrio a partir del cual encontrar un reposo con el cual ordenar su juicio. En las imágenes aparece mediante una relación horizontal-vertical de aquello que se está viendo y su peso en estado equilibrado. Se impone entonces un eje vertical con su referente secundario horizontal.

• Positivo/ negativo. Donde aquello que domina nuestra mirada se entiende como lo positivo mientras que lo negativo es el fondo pasivo marcando entonces una relación de tamaños, luces, etc.

• Estabilidad / Inestabilidad. Nuevamente, nuestra mente busca encontrar en nuestro entorno una estabilidad en todo lo que nos rodea. Así, cuando aparecen elementos circulares o irregulares, tienden a genrar la sensación de tensión o inestabilidad que necesariamente pide elementos regulares que estabilicen la imagen.
  

 

III. LOS ELEMENTOS ARTÍSTICOS DEL DIBUJO

El aprendizaje del dibujo no reside ni fundamental ni exclusivamente en el dominio técnico sino en aprender a observar de un modo diferente. Lo que se debe ejercitar es la observación activa analítica. Existen muchas maneras de ver una misa cosa. Los temas para practicar el dibujo se pueden derivar de nuestro entorno cotidiano.

Generalmente, el no poder dibujar es resultado de un error en la percepción y no de la falta de recursos técnicos. De hecho, en su forma más elemental, el dibujo aparece como una imagen monocromática donde la sensación de tridimensional se logra sin necesidad del color. 

Así, en el dibujo, además de los elementos básicos con los que trabajamos para producir una imagen, debemos considerar los elementos artísticos que nos van a permitir tener diferentes calidades de acercamiento a la práctica del dibujo. 

 

Estos elementos se pueden dividir en los siguientes contenidos:

• SOPORTES. Es la base donde se desarrolla la técnica, se clasifican según su material y preparación para el medio con el que se va a trabajar. Históricamente, suele considerarse a los muros -o al suelo- como uno de los primeros soportes que favoreció los grandes formatos. Entre los más comunes se encuentran:
  

• Papeles y cartones. Son de los soportes más empleados, su composición procede de plantas, maderas y fibras y los medios que aceptan pueden trabajarse con agua como diluyente.
  
• Madera. Ha sido, junto con la tela, el más recurrente en la historia de la pintura y ha dado pie a 2 presentaciones: la compacta -de tamaño pequeño- y las compuestas -cuando se configuran como retablos-. Requiere, antes de usarse, de una capa de imprimación.
  
•  Telas. Su uso se remonta al Siglo XX a.C y suele usarse para pintar al óleo, acrílico, témperas, tintas, etc. Sujetas a un bastidor de madera para que quede tensa y pueda usarse.
•  Metal. Aunque su uso ha sido escaso, también debe considerarse como parte de los soportes de las artes.
• Vidrio. Entendidos como vitrales, son aquellas composiciones elaboradas con vidrios de colores -pintados o recubiertos con esmaltes- que se ensamblan mediante varillas.
  

• MEDIOS. Son aquellos materiales utilizados para la proyección de la imagen y pueden entenderse desde su composición y la forma en que se comporta con el soporte, por lo que pueden dividirse en:
  

• Secos.  Se utilizan en el dibujo y la pintura, los lápices representan una de las técnicas más antiguas y versátiles del dibujo que pueden acompañarse de carboncillos y pasteles. También pueden usarse plumas o plumillas de dibujo que si bien requieren tinta, su uso es directo.
• Húmedos. Las tintas de colores pueden utilizarse con plumillas o pinceles y su gama es limitada pero suficiente, algunas pueden diluirse en agua y mezclarse entre sí y exigen el lavado de los pinceles luego de su uso. 
  

Si bien esta división obedece a una intención por facilitar los procesos de dibujo, también debe considerarse que es común encontrar trabajos que combinan ambas soluciones (técnica mixta) para resaltar las características de la imagen. 

 

CURSO DE DIBUJO. MATERIALES BÁSICOS.

Cuando buscamos hacer del dibujo una práctica más o menos continua, es conveniente considerar los siguientes materiales como parte de nuestro equipo básico.

• Papel. Tipos y medidas. 

Cuando hablamos de papel conviene considerar su tamaño y grosor. Puede comprarse en bloc o en hojas sueltas, blanco o de colores y su textura puede ser lisa o rugosa dependiendo el medio con el que vayamos a trabajar por ejemplo el papel liso funciona para plumas mientras que en el papel rugoso puede aplicarse carboncillos. El tamaño más frecuente en un curso introductorio es el de las medidas DIN A1 -tamaño carta-, y su grosor viene dado por su peso, a mayor grosor mayor peso. Los papeles más adecuados para el dibujo suelen ser a partir de 150 grs.

• Medios para dibujar.
  

En el caso de los secos podemos considerar el grafito, los lápices de color, los pasteles y carboncillos, etc. así como las plumillas y pinceles que representan un puente a los medios húmedos como las tintas, acuarelas, acrílicos y guoache.

• Otros materiales de utilidad. 
  

Con la intención de facilitarnos todo el proceso de dibujo es conveniente considerar materiales como los tableros de soporte, pinceles, gomas, navajas, recipientes para diluir las tintas o limpiar los pinceles, reglas, libreta de apuntes, carpeta donde guardar los trabajos elaborados.

 Por último, revisa este video de 10 consejos para empezar a dibujar.

Saludos...

ARTES I. Objetivo 1. La importancia de las artes. Clase 3.

 LAS ARTES PLÁSTICAS.

LA GRÁFICA

1. ¿A QUÉ LLAMAMOS GRÁFICA?    

Se entiende por Gráfica la creación y representación de imágenes mediante diversos recursos y engloba el conjunto de oficios, procedimientos y profesiones involucradas en dicho proceso. 

Como término, el arte gráfico se consolidó con el desarrollo de la imprenta, que permitió el acomodo de tipos e imágenes en un espacio visual además de ver en el encuadernado un proceso sumamente rico en sus posibilidades.

Anónimo. Juego de baraja. Xilografía. Siglo XIV

 Las necesidad de acceder de manera rápida y de mayor calidad a las imágenes ha llevado al desarrollo de diversas técnicas de impresión así como a diferenciar -al menos en principio- dos grandes campos de la comunicación visual: el campo de las artes y el campo publicitario.

Biblia de Gutenberg o Biblia de 42 líneas. Siglo XV

Este recorrido histórico nos obliga a reflexionar en la necesidad del ser humano por comunicarse, necesidad innata que se manifiesta en una de sus expresiones más claras: el dibujo.  

 

2. LAS DOS FORMAS DE LA GRÁFICA.

D   Dentro del campo de la Gráfica es necesario distinguir sus 2 formas básicas:

    I.) EL DIBUJO.

     El dibujo es un lenguaje universal, una forma de expresión gráfica que va de lo gráfico a lo pictórico y que no necesita palabras para transmitir una idea comprensible a todos; es una herramienta que no necesita ser fiel a la realidad y cuyos primeros registros -aunque escasos por la fragilidad de los materiales en que se hicieron- los hallamos ya desde hace 73,000 años en las pinturas rupestres.

      Al igual que la escritura y la pintura, el dibujo depende  de los materiales, medios y soportes que han ido variando con el transcurso de la historia. Sirve de canal a diferentes tipos de mensajes: comunicativos, expresivos, etc. por lo que no es requisito que sólo describa la  realidad.

     El dibujo parte de dos bases: 

• La línea, que le permite generar formas en un espacio plano y representa la base para la pintura, más interesada en el volumen.
  

•  La observación -ya sea de los que está buscando representar o del espacio donde se dibuja -buscando la composición de la imagen-. 
  

     Observa el siguiente video:

 

Contesta las siguientes preguntas;

• ¿Por qué en el video señalan que es si una persona puede escribir su nombre esa misma persona puede entonces dibujar?
  
• ¿Y por qué el dibujo depende no tanto de las habilidades naturales como de los hábitos y la observación del dibujo?
• ¿Tu has hecho del dibujo una práctica diaria? ¿Por qué?
•  ¿Crees que el dibujo implica una habilidad que puede ser educada?
  

 

Aunque existen múltiples clasificaciones (dibujo técnico, geométrico, etc) en este curso nos centraremos en el dibujo expresivo, por lo que daremos mayor importancia al proceso de dibujo que a su resultado y donde se considera el dibujo a mano alzada, realizado sobre la marcha sin correcciones posteriores y muy frecuente en viajeros, exploradores, científicos, etc. Observa el siguiente video:

 

También es importante considerar que, de manera general, el proceso de dibujo abarca:

• El apunte. Es un dibujo rápido que busca captar los detalles de lo que se va a representar.
• El boceto. Es una prueba que ayuda a definir el encuadre, la composición, los tipos de línea, etc.
• El color. Donde se busca aplicar diversas técnicas, valoraciones y correcciones. 

 

II.) EL GRABADO.

El grabado es una forma de impresión y reproducción  mecánica  que reproduce las imágenes en estampas con una producción que puede alcanzar tirajes medianos -500 ejemplares-. Aunque tradicionalmente suele ligarse el grabado a la estampa en papel, también permite múltiples salidas. 

Si bien la base del grabado es el dibujo, debe considerarse todo su proceso, que consta de 2 etapas: 

1. La elaboración de la placa. que puede ser de madera o metal en la que se han producido una imagen con materiales especiales -generalmente gubias-.
2. La reproducción de dicha imagen a partir del empleo de una prensa, papel y tinta.

Para entender mejor el concepto de estampa, observa el siguiente video:

 La estampa es un proceso de impresión que se ejecuta para obtener una imagen, puede partir de una matriz plana o en relieve; normalmente dicha matriz es una plancha grabada y entintada que pasa, con un papel húmedo encima, a través de un tórculo -o prensa- y su particularidad es tener un carácter múltiple y reproducible.

Históricamente, el grabado tiene sus antecedentes en el pasado prehistórico pero su desarrollo como difusor de ideas políticas y científicas es innegable, así como su capacidad para la expresión artística ha corrido de manera paralela con las etapas moderna y contemporánea. 

La impresión de estampas se practicaba ya en el Siglo XV en distintos materiales pero alcanzó su popularidad con la impresión de naipes, imágenes religiosas y tratados de medicina.

Anónimo. El Baile de la muerte, xilografía, 1460 -1470

Como técnica, el grabado ha sido constantemente retomado por diferentes movimientos artísticos así, cuando la fotografía se estableció como el medio más eficaz para reproducir la realidad, los artistas retomaron la técnica para aprovechar la nuevas libertades de la imagen: se volvía posible deformar las imágenes.

                                                                 Kathe Kollwitz. Aquí y ahora, xilografía, 1923
 

 En la época contemporánea la gráfica, lejos de perder vigencia, ha demostrado ser una de las ramas más vigorosas de las artes plásticas y no es extraño que los más reconocidos artistas -nacionales e internacionales- han desarrollado en algún momento de su trabajo algún trabajo de gráfica.

                                                     David Hockney. Myself and my Heroes, calcografía, 1961

3. MÉXICO Y LA GRÁFICA.

En México, la gráfica ha tenido un importante desarrollo que le ha permitido consolidar la identidad nacional, además de contar con un gran auge en el campo de la edición y la gráfica popular. 

 De hecho, es posible reconocer múltiples campos de la producción gráfica en nuestro país que nos ha acompañado, por ejemplo en las estampas religiosas y los tipos populares, la literatura mexicana, la geografía nacional, el retrato y la caricatura política, los libros y juegos infantiles, etc.

Así, podemos observar en los diseño prehispánicos mexicanos un marcado interés por las bases de la composición y la estilización como formas de organizar y hacer evidentes las jerarquías sociales y el afán de mímesis ya revisada en la clase anterior.

Ya en el periodo contemporáneo se hace evidente que otro de los aspectos sociales que más va a estimular la producción artística son los movimientos sociales y los cambios políticos. Por ejemplo, cuando hablamos de la gráfica del 68 nos referimos a un proceso de reactivación del arte político donde incluso artistas consagrados apoyaron al movimiento estudiantil 

 

Jesús Martínez."Sin título", 1968

 Más recientemente, baste recordar los movimientos de apoyo a los padres de los normalistas desaparecidos en Ayotzinapa, Guerrero donde escuelas como la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda"organizara subastas de obras para recaudar fondos.

Subasta de obra en "La Esmeralda" 2014

De esta forma, y paralela a la gráfica eminentemente política, podemos observar un resurgimiento de la gráfica nacional que obliga a revalorar nuevos aspectos como la importancia de los procesos de impresión y sus nuevas formas de consumo.

Como ya se había señalado en clases anteriores, esto influye de manera evidente con las formas en que nos relacionamos con nuestro entorno y que podemos entender como arte urbano, contemporáneo, etc. 

Observa el siguiente video: 

 

De acuerdo a lo visto en el video, contesta las siguientes preguntas:

• ¿Qué te parece la propuesta del taller del pinche artesano?
  
• En tu opinión, lo que propone el entrevistado ¿Es arte o artesanía?
• ¿Crees que la propuesta del entrevistado impacta en su entorno?
  

 

CONCLUSIONES

Por último, hay que ubicar que uno de los espacios encargados de preservar y difundir la producción gráfica nacional e internacional: El Museo de la estampa, que tiene como objetivo la colección, investigación, preservación y difusión del legado patrimonial de la gráfica nacional e internacional como una forma de difundir parte del patrimonio nacional comprendido en este campo de las artes.

Observa el siguiente video:

 

Por último, cabe recordar que uno de sus exponentes de la gráfica nacional más reconocidos es José Guadalupe Posada, -quien sería incluso uno de los referentes de los muralistas mexicanos-, por lo que como parte de las actividades a realizar en casa está ver el siguiente video:

 

 

Bye...

 

ARTES I. Objetivo 1. La importancia de las artes. Clase 2

 II. LA CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES.

Pintura primitiva.

  

1. EL ARTE Y LA MÍMESIS.

Lo más probable, es que la expresión artística haya nacido con los ritos mágicos, o tal vez cuando el hombre primitivo observó que las herramientas con las que trabajaba producían algo más allá de lo meramente utilitario. Se puede decir que las artes desarrollan la sensibilidad del ser humanos y regulan las relaciones del ser humano con su entorno, su modo de entenderlo y de sentirlo.

 

Seguramente el ser humano empezó a dibujar al observar las huellas dejadas por los animales o sus semejantes así como las sombras que sobre las paredes proyectaba una fogata y poco a poco empezó a sentir cierto agrado al realizarlas por lo que, además de apreciar la utilidad de los objetos, podía percibir en ellos cierta belleza y armonía en sus formas.

En su contacto inmediato con la naturaleza, el ser humano siempre ha intentado imitarla. A esta búsqueda por conseguir igualarla se le denomina mímesis.  

El arte entonces:

• Refleja los valores del ser humano, ya sea a nivel individual o social. 
• Imita y supera a la naturaleza.
  

Observa el siguiente video: 

 

 2. LA CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES.

El arte es un lenguaje que comunica. De hecho, las artes pueden clasificarse según la forma en que se manifiestan y cada una de dichas formas abarca distintos matices o géneros. Las formas tradicionales en que se manifiesta el arte son:

• Literarias. La poesía, la novela, el cuento, el ensayo.
• Musicales. Utilizan la voz y algunos instrumentos para manifestarse.
• Corporales. Como la danza, el teatro o el performance.
• Plásticas. Abarca la escultura, arquitectura, pintura, dibujo y grabado.

EsEste curso está orientado a las artes plásticas, por lo que es necesario ver las distintas posibilidades de dichas artes. Observa el siguiente video:

 

      Pero en su desarrollo histórico, el arte también ha encontrado nuevas formas de expresión -y por lo tanto, artísticas- más recientes, como son:

•  La fotografía. Al ser una técnica que, en principio, no requiere de la habilidad manual para reproducir imágenes, sirve como un canal de producción artística.
  

• El cine.  Es la técnica y el arte de crear y proyectar imágenes con una intención comunicativa y donde su lenguaje se ha desarrollado, entre otros, por un recurso propio: el montaje.
  

• El video / videoarte. Es parte de un movimiento artístico surgido en EU y Europa hacía 1963 que se caracterizó por la experimentación y mezcla de tendencias como el performance, el conceptual art, etc. y que se basa en las imágenes en movimiento conformadas en video.
  

• El arte conceptual. En éste, la idea es más importante que la obra en tanto soporte físicoo material y surgió en EU y Europa a inicios de los años 60s.
  

•  La instalación. Es un género del arte contemporáneo surgido en la década de los 60s donde la obra se exhibe por un tiempo predeterminado prevaleciendo la idea sobre los aspectos formales.
  

• El arte urbano. Hace referencia a todo arte de la calle, frecuentemente ilegal y que engloba tanto al graffiti como a otras formas de expresión artísticas iniciadas en los 90s.

Igualmente es importante señalar muchos otros recursos expresivos que nutren el campo de las artes: la escenografía, el arte textil, la serigrafía, el stciker, el cómic, etc. 

3. LAS ARTES Y LAS HUMANIDADES.

A lo largo de la historia, la producción de obras de arte desborda la vida de cualquier individuo interesado en acercarse a ellas: nadie podría dedicar toda su vida únicamente al consumo del arte pues al mismo tiempo cada uno de nosotros convive con múltiples trabajos que no están interesados en ser considerados arte. 

La pregunta entonces es:

¿Cómo es posible reconocer en un producto, una obra o un acto una intención artística?

Uno de los criterios más claros para ubicar a una obra como un trabajo artístico es su posible intención humanística, es decir, que están guiadas por un pensamiento preocupado por exaltar las cualidades propias de la naturaleza humana dando un sentido racional a la vida. 

En estas obras se considera que el ser humano está en posesión de capacidades intelectuales potencialmente ilimitadas donde el saber y el dominio de las diversas disciplinas son una condición necesaria para el buen uso de nuestras facultades. 

Otro de los posibles valores con el que podemos valorar una obra es su carácter crítico pues, para algunos, es sólo a partir del espíritu crítico que se puede crear una obra realmente artística. la contemplación crítica se guía por un sentido estético consciente 

 

 

 

 

 

ACTIVIDADES EXTRACLASE. 

• ¿Qué entiendes por humanismo?
  
• ¿Por qué se dice que el humanismo es una guía para reconocer una obra de arte?
• ¿Qué entiendes por crítica? 
• ¿Crees que pueda existir el arte sin la crítica?
  

 

ARTES I. Objetivo I. La importancia de las artes. Clase 1

 

1. LA MANIFESTACIÓN ARTÍSTICA. 

 

 

Para algunos, el arte es uno de los bienes más preciados que el ser humano ha producido para su enriquecimiento espiritual en un momento histórico dado. En su desarrollo, todo grupo humano produce (aun sin pensarlo) objetos y acciones con contenidos materiales destinados a satisfacer sus necesidades de supervivencia, pero también con contenidos espirituales, que forman y cultivan su espíritu. 

 

La palabra arte es una generalización que usamos para referirnos a los oficios, es decir, a todo aquel trabajo que ha sido realizado por un individuo o grupo guiado por sus propios conocimientos y sus facultades y que, en principio, suele no requerir de un estudio formal -por ejemplo el oficio del pintor-. Así, los trabajos más importantes de dichos oficios resultan ser consideradas obras consagradas por la humanidad. 

El arte implica entonces cambios sociales que pueden ser de tipo religioso, político, económicos, etc. y muestra como la expresión individual puede influir en los diferentes miembros de una comunidad.

El arte es un fenómeno social que consta de 3 actividades básicas:

1.  La producción. Que es el momento en que el artista crea una obra. 
2. La distribución. Donde se busca difundir y dar solvencia a determinados trabajos.
3. El consumo. Que resulta de las interacciones de los individuos con su entorno -y entre ellos-, lo que permite no sólo la apreciación de la obra, sino también el desarrollo de la cultura.

 

2. EL ARTE Y LA CREATIVIDAD.

En el arte intervienen:

1. Los sentidos. Que son educados a partir de la experimentación y el dominio de los materiales y herramientas necesarios para la producción de su obra.
2. La sensibilidad. Dado a partir de las preferencias personales para desarrollar el gusto.
   
3. La inteligencia. Con la que asume una postura crítica a partir de sus propios conocimientos.
   
4. La imaginación. Estimulada por sus intereses personales.
   

 Al mimo tiempo, todo producto considerado obra de arte busca estimular un dialogo donde su receptor busca darle un sentido, un tema. Por su parte, el artista busca enriquecer dicho tema con diversos elementos que puedan darle mayor fuerza a lo que busca expresarse.

Este dialogo entre autor, obra y receptor puede irse desarrollando para da paso a lo que se conoce como cultura estética, que engloba todo un acervo de valores y tradiciones con los que orientamos nuestra sensibilidad y donde cada grupo social crea su propio sistema.

  

 

En realidad, toda obra de arte posee formas además de contenidos. Son sus formas las que afectan nuestros sentidos, por lo que se dice que el arte nos enseña a ver los pormenores de la realidad visible, sus detalles, pero es el observador quien le atribuye un sentido a las obras, es él quien ve a la obra según su educación artística.

 

Considera el siguiente ejemplo:

José Guadalupe Posada. La Catrina/ La Calavera Garbancera, Grabado en metal, 1910

 

• ¿Cuál crees que haya sido la intención del artista al crear este grabado?
• ¿Sabes en qué técnica está hecho?
• ¿Te parece un trabajo artístico?

 

3. ¿QUIÉN CREA EL ARTE?.

El artista es aquella persona que produce o crea una obra de arte, aquel que cultiva de manera profesional una de las bellas artes, es decir: alguien con la capacidad o habilidad necesaria para alguna de las bellas artes.

Joseph Beuys, uno de los artistas alemanes más reconocidos del arte contemporáneo planteaba que "todo ser humano es un artista y cada acción una obra de arte", con lo que despertó diversos debates en el mundo.

Lo que es un hecho es que entre los diferentes valores más reconocidos del arte y los artistas está el de potenciar la imaginación y la creatividad. Observa el siguiente video:

El arte es un privilegio exclusivo del ser humano, implica un proceso racional donde el artista lleva a cabo un proceso de aprendizaje  que le permite tener la capacidad de admirar la belleza. Dicho proceso pasa por conocimientos de tipo:

• Empírico. Al saber manejar materiales, herramientas, medios y soportes con los que va a trabajar.
  

• Científico. Aquellos procedimientos necesarios para llegar a una obra.
  

Observa el siguiente video:

 

Con lo anterior podemos decir que el arte nos enseña a:

• Ver desde diferentes perspectivas un mismo tema.
• Distinguir diferentes tipos de placer.
• Generar nuevas ideas en nuestra mente.
• Pasar de la emoción al pensamiento argumentado.
  

En conclusión, el arte y sus obras nos permiten desarrollar la sensibilidad por lo que, además de poder llegar al disfrute, también puede cumplir con una función educativa.

 

ACTIVIDADES EXTRACLASE.

 Contesta las siguientes preguntas:

• ¿Por qué pintaba o dibujaba el hombre primitivo?
• ¿Qué diferencias tiene un dibujo comunicativo y uno artístico?
• ¿Por qué se dice que el arte es una expresión exclusiva del ser humano?
• Consideras importante la educación artística para todas las personas?
• ¿Qué entiendes por un artista?

Para terminar esta clase, observa el siguiente video:

 

Saludos...

 Bibliografía:

Acha, Juan. Expresión y apreciación artísticas. Artes plásticas. Ed. Trillas, México, 1994

Sugerencias para un problema eje. 3

INTRODUCCIÓN

Termino esta tercera superclase con algunas recomendaciones sobre cómo hacer un problema eje. Al formar parte del entorno del estudiante, el cine mexicano también resulta válido como objeto de análisis.

En esta tercera clase retomo el tema de la época de oro del cine mexicano para elaborar un posible ensayo, entendiendo éste como un texto que explora, analiza, interpreta o evalúa un tema y cuyas características básicas son: su seriedad y capacidad de argumentación con clara intención didáctica y que busca presentar una opinión sustentada sobre un tema. 

Un buen ensayo sobre la época de oro en el cine mexicano entonces debería considerar:

• El cine como arte y como formador de la identidad social.
• Las características del cine mexicano. ¿Qué lo distingue de otros países?.
• Una revisión de las principales películas de ese periodo. -Habría que tenerlas vistas la mayoría-.
• Analizar el impacto de este cine en el público mexicano -en ese momento y actualmente-.

Anteriormente proponía que lo mejor para un estudiante de bachillerato es que elabore una monografia sobre el tema de su elección, pues así ya está acotado el tema y él decide qué si y qué no incluir en su trabajo.

Y es que cuando se acercan con cualquier maestro y le plantean que quieren hablar de varios temas a manera de ensayo pues... Si tomo en cuenta que un alto número de estudiantes tiene un nulo hábito de lectura, que no han desarrollado un nivel crítico de lectura, y si consideramos que productos como el cine y el comic forman parte de una cultura visual todavía más compleja pues ya me dirán...

En fin...

Entonces, voy cerrando este ejemplo de problema eje a partir del cine mexicano, vamos pues...

I. LA ÉPOCA DE ORO DEL CINE MEXICANO.

Ya habíamos hecho un primer índice tentativo a partir de lo revisado en los videos anteriores sobre la época de oro del cine mexicano y quedó algo así:

Si revisan, en este índice cada capítulo corresponde a un aspecto de la época de oro del cine mexicano: el primero corresponde a los aspectos históricos, el segundo a las características de este cine y el tercero a su crisis y decadencia. Suficiente para 25 0 30 cuartillas.

Pero también, y así visto, el trabajo todavía es muy descriptivo: no hay una valoración por parte de quien está elaborando el trabajo por lo que para considerarse un ensayo todavía falta ubicar la postura que se tiene ante el tema, qué es lo que quiere destacarse con este trabajo.

También se habían señalado 2 posibles temas que pueden ayudar a la elaboración de un ensayo:

• El cine mexicano como elemento formador de identidad.
• El cine mexicano como formador de la apreciación artística.

Con estos 2 temas podemos entonces empezar a plantear una postura que vaya guiando los 3 capítulos del trabajo -pero esto también lleva a replantear todo el trabajo-, y que obliga a tener el dominio -con bibliografía reconocida- sobre diversas temáticas, como puede ser:

• ¿Qué entendemos por identidad? 
• ¿Qué es una industria cultural?
• ¿Cómo valoramos un producto cultural?

Y sobre todo:

• ¿Cuál es la postura ideológica de quien esta elaborando el trabajo sobre este tema?

Otra vez: si la monografia se limitaba a la recolección de información de un tema concreto, el ensayo exige que exista una postura hacia el tema del que se está hablando.

 II. LA VALORACIÓN DEL CINE MEXICANO.

Un ensayo sobre la época de oro del cine mexicano debería considerar mínimamente necesario saber de las películas que se vayan a considerar dentro del escrito y tener una valoración de ellas.

Una opción sería partir de lo que la crítica -y habría que definir con cuál nos sentimos identificados- considera las mejores películas de este periodo. Otra vez, un video introductorio:

También dejo esta lista, para hacer comparaciones y ver cuál nos convence -y por qué- y revisar la mayoría de las películas mencionadas...

Y otra vez, otro problema:

• ¿Cuáles son mis criterios para valorar una buena o mala película?

Como de lo que se trata es de dejar clara una postura a partir del ensayo, nuevamente es necesario saber si los criterios que se están usando son válidos para seguir avanzando correctamente en el ensayo. Otro video -este si, mejor que el anterior-:

Supongamos que ya revisamos las películas recomendadas, y ya escogimos las que nos gustaron, todavía faltan temas por desarrollar... Por ejemplo, el más obvio:

• ¿Qué impacto tiene el tema en nuestro entorno?

Si vamos a investigar sobre un tema -cualquiera-, tendríamos que justificar cual es su relevancia para abordarlo. Si yo parto de la época de oro del cien mexicano -que va de 1936 a 1959-, tendría que justificar mi interés por investigar un periodo del pasado reciente de México, sobre todo, de cual sería la importancia de revisarlo hoy. Otro video:  

Y hasta aquí es donde la cosa ya empezaría -en mi opinión- a tomar forma de ensayo, pues quien hiciera dicho ensayo estaría obligado a:

• Reconocer -o no- la importancia del cine como constructor de valores sociales.
• Valorar las películas de ese periodo -con argumentos, obviamente-.
• Comparar los contextos del cine en dicho periodo y el actual.
• Valorar las películas del periodo actual.

Y todo esto, además de obligar a replantear el índice con el que empezamos, tendría que resolverse en 6 meses... Otra vez: el problema eje es sólo un ejercicio de investigación básico con el que el estudiante demuestra que tiene las herramientas básicas para elaborar un escrito. No es una tesis.

Sólo eso y también: no menos que eso. Y por eso creo que el objetivo 5 de mi curso -análisis de obra- se vuelve tan necesario.

III. CONCLUSIONES.

Esta semana he preferido tocar un tema que si bien no es parte del curso regular de los estudiantes inscritos, si es uno de los temas que suele volverse un dolor de cabeza para estudiantes y -sobre todo- para algunos maestros.

La materia de Artes suele verse como una asignatura que debería ser muy fácil de cubrir pues se apuesta a que el estudiante en general está en la disposición de resolver trabajos prácticos -lo que es cierto-, y que resulta una contradicción que un maestro -como es mi caso- les pida hasta buena ortografía en sus trabajos...

Yo parto de que, si bien mi clase es introductoria a las artes -donde sólo pido la elaboración de ejercicios sin esperar un trabajo profesional- también es necesario que al terminar su bachillerato, el estudiante sea capaz -al menos- de saber leer correctamente. 

Desde hace un tiempo he optado por el cine y el comic como herramientas para aprender a hacer una buena lectura, y lo seguiré haciendo  mientras el estudiante no demuestre tener herramientas para analizar un trabajo tan pobre y cotidiano como:

Un estudiante acostumbrado a cierto rango de películas -por ejemplo, de Derbez- creo que también podría entender que al acercarse al espacio escolar tiene que estar abierto a otro tipo de trabajos que al principio pueden resultarle exigentes pero que tienen una lógica.

Y la última: con las 3 superclases de esta semana he elaborado un escrito de alrededor de 18 o 20 cuartillas, el equivalente a un problema eje -si gustan checarlo, copien y peguen en word, quiten imágenes y videos y pasen el texto a arial de 12 puntos con interlineado de 1.5-... Así que yo creo que en estos días de contingencia está bien perder el tiempo, es evidente que nuestros horarios se modificaron bastante, pero también creo que podríamos aprovechar un poquito este tiempo porque, piénsenlo, y cuando regresemos nos va a tocar a nosotros decidir cuánto tiempo queremos estar "recuperando el tiempo perdido"... Así que si queda alguna duda pues avisan y listo...

Y tan tan, cuídense...